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Reflejos

¿Algunas de nuestras obras más populares han resonado contigo? ¿Te gustaría explorar más? Si es así, nuestros curadores estarán encantados de sugerir algunas obras menos conocidas que creen que te pueden gustar.

American Gothic, una de las pinturas más reconocidas y parodiadas de nuestra colección, presenta una visión de la América rural que es a la vez nostálgica e irónica.

Pintado en un momento en que el país estaba en medio de la Depresión y la gente estaba dejando la vida rural por las ciudades, la pintura de Grant Wood de dos habitantes de Iowa parados frente a una antigua casa de campo aprovechó la sensación de querer volver a lo que muchas personas consideraban auténtico. valores americanos.

La curadora Sarah Kelly Oehler recomienda Strange Worlds de Todos Geller, una pintura que captura la compleja mezcla de las tradiciones del Viejo Mundo y la cultura moderna que se daba en ciudades como Chicago. Uno rural, uno urbano, parecería que las dos pinturas no podrían estar más separadas. Pero igualmente evocan la vida en los Estados Unidos en este momento para las diversas poblaciones de la nación.

Todros Geller emigró a Canadá desde Ucrania después de presenciar masacres durante los pogromos de 1906. Llegó a Chicago en 1916, donde se matriculó en la Escuela del Instituto de Arte y luego dedicó su carrera a hacer arte al servicio de la gran población judía de la ciudad. comunidad de la que formaba parte. Pintada dos años antes del American Gothic, la pintura de Todros presenta a un anciano con barba larga y ropa tradicional, parado frente a un quiosco debajo de las vías de El. El movimiento frenético de la calle de la ciudad detrás de él es capturado por el tipo de círculos arremolinados que el artista podría haber visto en las pinturas futuristas italianas. La expresión del rostro del hombre es estoica; sus ojos miran hacia adentro mientras está de pie en medio de la multitud y el ruido. Este es verdaderamente un encuentro de dos mundos extraños.

Galería 263

Una de las pinturas más célebres de Motley, Nightlife, representa un cabaret lleno de gente en el barrio de Bronzeville, en el lado sur de Chicago.

La composición dinámica, la iluminación intensa y los colores realzados expresan vívidamente la vitalidad y la vitalidad de los jóvenes y sofisticados habitantes de la ciudad que salen a pasar una noche en la ciudad.

La curadora Sarah Kelly Oehler recomienda Crepúsculo de Hale Woodruff, una pintura que ofrece una puesta de sol igual en su intensidad visual al mundo interior de Nightlife. Ambos artistas recurrieron a colores vivos y audaces para expresar pura exuberancia; mientras que Motley pintó los rosas fuertes y los púrpuras de la luz artificial, Woodruff expresó una alegría similar que se encuentra en la naturaleza.

Dominada por audaces vetas de pigmento rojo, rosa, azul y verde, la audacia y espontaneidad de Crepúsculo puede relacionarla con las obras de los pintores posimpresionistas de Europa, en particular los Fauves (en francés, "bestias salvajes"). Sin embargo, fue pintado a un mundo de distancia de París, en Indianápolis, donde el artista trabajaba en la YMCA local como ilustrador independiente. En elogio del joven artista afroamericano, el aclamado autor del Renacimiento de Harlem, Alain Locke, dijo que "el Sr. Woodruff pinta paisajes de originalidad", con una "belleza cálida" de color. La aplicación de pintura espesa de Woodruff crea un patrón denso, aunque variado: la pequeña colina es un rico tapiz de pinceladas cortas y rápidas, mientras que las pinceladas largas y fluidas se irradian desde los árboles para definir el cielo deslumbrante al final del día.

Galería 271

Richard Hunt estaba fascinado con la mitología y la idea de construir un héroe, dijo, "era como una forma de retroceder y avanzar en el tiempo".

Creada en 1958, poco después de graduarse de la Escuela del Instituto de Arte, la escultura abstracta pero reconocible de Hunt se compone de objetos descubiertos en depósitos de chatarra y en la calle: tuberías viejas, trozos de metal y piezas de automóviles. Quería "sugerir un héroe, y no hacer un héroe".

La curadora Robyn Farrell recomienda Sanctuary de Martin Puryear, una obra caprichosa y sofisticada que reconcilia el anhelo de estabilidad con la necesidad de cambio.

©Martin Puryear, cortesía de la galería Matthew Marks

En 1977, un incendio destruyó una gran parte de la obra de arte de Martin Puryear, así como muchas de sus posesiones materiales. Dando como resultado lo que él llamó "un período de duelo seguido de una ligereza y libertad increíbles", el evento resultó fundamental para dirigir el trabajo posterior del artista. Un año después, Puryear comenzó una serie de esculturas en torno a los temas del movimiento y el refugio. Sanctuary encarna lo que él describió como "movilidad con una especie de escapismo, de supervivencia a través del vuelo". Creada 25 años después de la construcción de acero de Hunt, la escultura de Puryear combina árboles jóvenes silvestres con un refugio cuidadosamente diseñado, celebrando la belleza de la madera en su estado natural y refinado. La escultura, en su aparente estado de movimiento detenido, exalta la libertad de estasis.

Galería 297

La obra maestra puntillista de Georges Seurat, Un domingo en La Grande Jatte—1884, captura el zeitgeist de París a fines del siglo XIX.

El artista se apartó del impresionismo al no tener interés en plasmar el juego de luz y color en un momento determinado. Su representación de los parisinos en el ocio fue meticulosamente planeada y ejecutada, cada figura distinta y cuidadosamente delineada, sin peligro de fusionarse con el paisaje.

La comisaria Gloria Groom recomienda Ad Astra de Axeli Gallen-Kallela, una obra que captura la Finlandia natal del artista con tanta claridad como La Grande Jatte captura París.

Como muchos artistas jóvenes, Gallen-Kallela fue a París, aunque en un momento en que el impresionismo estaba en decadencia, y cayó bajo la influencia de artistas como Seurat y Munch. Inspirándose en el simbolismo y en el movimiento de vanguardia Art Nouveau, el artista creó Ad Astra, que significa "a las estrellas". La pintura, que tiene la sensación de un cuento popular finlandés, representa a una mujer joven de pie en el agua frente a una luna y un cielo estilizados. Su pose es formal, como una de las parisinas de Seurat, aunque sus ojos y rostro son específicos y reales. Para ambos artistas, la idea de enmarcar era importante. Seurat pintó una banda de color para separar el lienzo del marco. Gallen-Kallela creó un pesado retablo cuyo patrón en las puertas de madera tallada, reflejado en el cabello de la joven, hace referencia a las raíces finlandesas del artista. Aunque tienen un tono diferente, ambas obras hablan de un espíritu exuberante, quizás el de dos artistas que intentan, quizás inconscientemente, capturar sus psiques nacionales.

Galería 246

El rostro de Van Gogh no solo es tan conocido como su arte, sino que es inseparable de él.

Van Gogh pintó más de 35 autorretratos durante su vida; éste fue creado en París bajo la influencia del puntillismo de Seurat. Los intensos toques de pintura le permiten al artista afinarse a sí mismo, dando al espectador una profunda sensación de la presencia del artista.

La curadora Gloria Groom recomienda Woman at Her Toilette de Berthe Morisot, una obra impresionista que ofrece un retrato íntimo de una mujer sin revelar sus ojos ni su rostro.

Si fuera pintado por un artista masculino de la época, este retrato probablemente presentaría a una mujer hermosa y erotizada. Morisot niega al espectador ese tipo de acceso y, en cambio, se centra en un cuerpo en el espacio, una mujer dentro de su dormitorio. Como en el retrato de Van Gogh, se trata de pintura sobre lienzo, aunque en lugar de puntos hay pequeños vórtices de pintura, como si se aplicaran con un movimiento centrífugo del pincel. Gran parte de la escena se disuelve, mezclando el vestido de la mujer con su cama y papel tapiz, incluso con su piel. Donde Van Gogh presenta un estado de ánimo de desafío y melancolía, esto es íntimo e introspectivo. Morisot firmó con su nombre a lo largo del borde del espejo, como para decir que aunque este fuera un reflejo de ella, es uno que respeta la privacidad y la necesidad de soledad.

En préstamo temporal

La imagen de la figura acorazada sobre un caballo acorazado evoca la sensación de entrar en una batalla, donde la armadura tiene propósitos prácticos para salvar vidas.

Esta armadura compuesta, hábilmente forjada en acero, fue diseñada por expertos para la protección y logra su belleza a través de la elegancia simple de sus líneas y formas austeras en lugar de la decoración de su superficie.

El curador Jonathan Tavares recomienda Porciones de una armadura de campo, que destaca el arte y las florituras decorativas que se usaron para fabricar armaduras para los patrocinadores reales.

Esta media armadura fue fabricada alrededor de 1588-1590 por el armero alemán Jacob Halder, que trabajaba en los terrenos del Palacio de Greenwich, en las afueras de Londres. Diseñado para un noble de alto rango, presenta bandas de grabado y dorado cuidadosamente decoradas y una silueta que imita el vestido de moda del día. La forma del peto, ancho en los hombros, estrecho en la cintura y hundido en el vientre, imita el corte de peasecod (en forma de vaina) de un jubón de caballero de la misma época. A pesar de la lujosa decoración y la forma exagerada, esta armadura estaba destinada al campo de batalla y era capaz de resistir el fuego de mosquete. De hecho, fue encargado en 1588, en el mismo momento en que Inglaterra se preparaba para la invasión de la Armada Invencible. Para el noble a la moda que encargó este arnés, demostrar riqueza y estatus era tan importante como proteger la vida y las extremidades.

Galería 239

Mostrado en una pose clásica, con los ojos mirando hacia abajo, este Buda se sienta en la postura de meditación de padmasana, o posición de loto, con las manos en su regazo.

Lo notable de este Buda monumental es que está esculpido en granito, que es muy difícil de tallar. Una vez había adornado un sitio monástico cerca de Nagapattinam, uno de los pocos lugares donde el budismo todavía florecía en la India en el siglo XII.

El curador Madhuvanti Ghose recomienda este Buda de pie con la mano izquierda en gesto de dar regalos, también de la misma región.

La ciudad portuaria de Nagapattinam, en el sur de la India, floreció durante el período Chola, cuando los mercaderes navegantes llegaban a comerciar y los monjes de toda Asia desembarcaban para estudiar en sus famosos monasterios. La región es mejor conocida en todo el mundo por sus hermosas esculturas de bronce budistas, hindúes y jainistas, en particular las reliquias más pequeñas y portátiles que podrían llevar los peregrinos que viajan. Este Buda está de pie con un aire meditativo, sus ojos en forma de loto bajos y su mano derecha en un gesto de tranquilidad (abhayamudra), su mano izquierda en un gesto de entrega de regalos (varadamudra). Los agujeros de la base rectangular indican que este bronce habría sido llevado en procesión. Si bien el budismo finalmente se extinguió en la India, se extendió por toda Asia, desde Pakistán y Afganistán hasta el Tíbet y China, y desde el sudeste asiático hasta Indonesia, dando lugar a nuevas interpretaciones y variaciones estilísticas.

Galería 140