Crítica de arte: 'El joven Picasso en París' en el Guggenheim

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Una pequeña y exquisita exposición en el Guggenheim muestra cómo la Ciudad de la Luz transformó a la artista española de 19 años. Una pintura lo dice todo.

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por roberta smith

Algunas celebraciones son fugaces, otras traen resultados tangibles y permanentes. Con "El joven Picasso en París", una pequeña joya de exposición, el Museo Guggenheim lo tiene todo.

Organizada por Megan Fontanella, curadora de arte moderno y procedencia del Guggenheim, esta muestra es una de las más de 30 montadas en museos europeos y estadounidenses como parte de "Picasso Celebration: 1973-2023", que ha sido encabezada por el Musée Picasso-Paris el con motivo del 50 aniversario de la muerte del artista. El punto parece ser que en el medio siglo transcurrido desde entonces, el legado del artista más grande del siglo XX permanece intacto, continúa influyendo en las nuevas generaciones de artistas y aún contiene misterios por descubrir por los estudiosos y las nuevas tecnologías.

El espectáculo Guggenheim alcanza todas estas marcas. El museo ha aprovechado la celebración como impulso para continuar con el análisis (iniciado en 2018) y acometer la conservación de su cuadro de Picasso más conocido y querido: "Le Moulin de la Galette", de 1900, y para hacer de este seductor, Obra sutilmente refrescada la pieza central de "El joven Picasso".

Como muestra Picasso, tiene una ligereza distintiva. Por un lado, contiene sólo 10 obras. Pero también está aliviado por la opresivamente inolvidable ya menudo inquietante historia de vida del artista, de la cual aún no había mucho. Nos da a Picasso antes de que fuera Picasso, que en esencia era Picasso antes de conocer París.

Hasta allí había viajado en tren desde Barcelona con su amigo, el poeta y pintor español Carles Casagemas, para visitar la Exposición Universal, que estaba a punto de concluir. Quería ver un cuadro suyo colgado en el Pabellón de España. Se trataba de "Últimos momentos" de 1898, que volvió a pintar en 1903 como "La Vie", un punto culminante de su Período azul.

Pero la misión más grande de Picasso era respirar en París, la capital del siglo XIX en palabras de Walter Benjamin, y tomar un curso intensivo de pintura francesa moderna. Durante la visita trabajó duro en estudios compartidos con otros artistas y, a menudo, con sus modelos. Y probó vorazmente todo lo que la ciudad tenía para ofrecer a un joven artista aterradoramente talentoso, ambicioso, curioso, sociable pero provinciano. Visitó museos para ver arte antiguo y galerías para ver lo último. Participó de la glamorosa vida nocturna bohemia en cafés, cabarets y salones de baile, de los cuales "Le Moulin de la Galette" fue el más famoso.

Y conoció gente, inicialmente artistas y escritores españoles, algunos de los cuales había conocido en Barcelona, ​​y un círculo cada vez mayor de parisinos a medida que aprendía francés.

En el Guggenheim, "Le Moulin de la Galette" ocupa un lugar privilegiado en una gran galería pintada en un azul oscuro ligeramente frío (en temperatura). Reinando en una magnífica soledad desde una de las paredes más largas, esta seductora vista de gran angular muestra un salón de baile lleno de gente hermosa (mujeres elegantemente vestidas y hombres con sombrero de copa) que bailan, beben e intercambian bromas o chismes mientras sus ojos se deslizan. lejos, tal vez buscando el tema mismo de la discusión. Es relativamente tranquila —Picasso también pintaría bailarinas de cancán, pero no ahora—, una multitud suave y sofisticada pintada por un artista que entendió a la perfección sus modas, su lenguaje corporal y sus conexiones interpersonales.

También lo muestra reflexionando sobre los estilos de pintura de sus mayores: Renoir, Toulouse-Lautrec, el ilustrador nacido en Suiza Théophile Steinlen en particular. Podría agregar una sopa de Seurat, para dar cuenta de las formas clásicas suaves y serenas de la clientela del salón de baile.

La oscuridad reinante, en la que los abrigos negros de los hombres alternan con los sutiles colores y tejidos de las prendas de las mujeres, algo debe al amor de Picasso por Velázquez y Goya. Pero los colores que brotan de sus sombras brillan en varias de las otras pinturas: en el puntillismo tosco de "Mujer de perfil" y "Cortesana con sombrero", y los colores planos de "Los comensales", especialmente el banco rojo en el que se encuentra el la pareja no coincidente está sentada. En el desfile de "El catorce de julio", el único atisbo de luz del día aquí, los trazos de rojo, blanco y azul que se sacuden y giran sugieren un impresionismo irritado.

No se puede subestimar la integridad y la complejidad, el sorprendente crecimiento acelerado, de "Le Moulin de la Galette". Es una de las primeras pinturas que Picasso completó en París, la obra maestra de esta inmersión transformadora inicial de dos meses. También fue el primer Picasso en ingresar a una colección francesa, vendiéndose rápidamente a través de la comerciante de arte Berthe Weill, cuyo papel en el descubrimiento de Picasso a menudo se pasa por alto, al editor y coleccionista progresista Arthur Huc.

"Le Moulin de la Galette" ha estado fuera de la vista desde noviembre de 2021. Su cuidadosa conservación fue dirigida por Julie Barten, la conservadora principal de pintura del museo, con aportes de Fontanella. Al igual que los médicos, el juramento del curador es no hacer daño o, más precisamente, nada que no pueda revertirse. Inician un proyecto solo después de llegar a un consenso basado en discusiones con colegas: historiadores del arte, curadores y conservadores de su propio museo y de otros.

En más de un sentido, toda esta conversación debe compensar algunos de los aspectos artesanales, intrínsecamente solitarios y angustiosos de la tarea del conservador. Y así Barten se aventuró en la limpieza meticulosa de la superficie de la pintura, usando pedazos de algodón y papel húmedo para quitar una capa de mugre y luego una capa de barniz amarillento que se había aplicado hace décadas, aunque ciertamente no por Picasso.

Un componente cada vez mayor de la conservación es la recopilación y el análisis de datos por parte de científicos investigadores que utilizan instrumentos de alta potencia, generalmente en respuesta a preguntas específicas de los conservadores. En este caso, la ayuda esencial provino de investigadores científicos del Museo Metropolitano de Arte y la Galería Nacional de Arte.

Generalmente, estos esfuerzos combinados han limpiado la superficie de la pintura, han aclarado sus colores y el brillo de la lámpara de gas; expandió la profundidad de su espacio atmosférico e hizo ciertas formas (los sombreros de copa, la licorera y los vasos sobre la mesa) más completamente dimensionales al mismo tiempo que revelaba algunos de los cambios que hizo Picasso mientras trabajaba.

Una es la pila oscura en el borde inferior de la pintura, lado izquierdo, que se asemeja a abrigos apilados en una silla en la mesa con mantel blanco. En él descansó una vez un King Charles spaniel de pelaje castaño rojizo, que llevaba un lazo bermellón y miraba en nuestra dirección. La mesa también albergaba una segunda silla vacía.

Uno de los grandes momentos de la muestra es un vigoroso dibujo de 1900 en carboncillo y crayón procedente de una colección privada de Europa que se muestra por primera vez en este país. Es como una gran instantánea, un selfie grupal, que muestra a Picasso y sus amigos despidiéndose exuberantemente de la Exposición Universal. Con los brazos enlazados, sus cuerpos y extremidades se inclinan y superponen en diferentes direcciones y tonos de negro. Tienen un aire alegre y bufonesco, ya sea por estar borrachos o tal vez por la emoción de ver la pintura de su joven amigo a la vista del público en París. El talento de Picasso para la caricatura es evidente en el friso ingobernable, el coro de camaradas tambaleándose. El King Charles spaniel en el primer plano de esta escena escapó del borrado.

Las excepciones al énfasis de la muestra en la vida social parisina y sus habituales son dos intensos autorretratos de 1901, cuyos primeros meses Picasso pasó en Madrid y luego en Barcelona. (Había vuelto a su ciudad natal, Málaga, por Navidad y para ver si un tío podía pagarle la exención del giro.) El primer autorretrato puede datar de esta época lejana. Muestra a un artista que enfatiza demasiado su famosa mirada intensa y ardiente en medio de un fondo oscuro de pinceladas casi expresionistas que rodean su rostro con un aura azul.

El segundo autorretrato es de los últimos meses de 1901, después de su regreso a París a mediados de mayo para preparar su primer solo en París en la galería de Ambroise Vollard. Esta vista de tres cuartos muestra al artista, inhalando su poderosa personalidad. Todas son áreas independientes: el fondo azul plano que tiende hacia el color de la pared del programa; su expresión pálida, algo sombría pero vacilante y la sólida losa oscura de su abrigo. Se parece un poco a un capitán a punto de hundirse con su barco.

Estas dos pinturas abren la puerta a la primera fase o estilo que Picasso podría llamar propio: su Período azul, que se aleja de los colores y estados de ánimo más brillantes de sus primeras pinturas de París. Introduce un modo figurativo más original —a pesar de las deudas con El Greco y el simbolismo— y se vuelve hacia adentro, hacia la melancolía y la privación que refleja el temperamento inherente de Picasso, su continua pobreza y su duelo por la muerte de su amigo Casagemas, quien se suicidó en París en febrero de 1901, mientras el artista se encontraba en España. Este inquietante autorretrato baja el telón de la primera efervescente experiencia de Picasso en la Ciudad de la Luz.

Picasso joven en París12 de mayo al 6 de agosto, Museo Guggenheim, 1071 Fifth Avenue, Manhattan, (212) 423-3500; www.guggenheim.org.

Roberta Smith, codirectora de la crítica de arte, revisa regularmente exposiciones en museos, ferias de arte y exposiciones en galerías de Nueva York, América del Norte y el extranjero. Sus áreas especiales de interés incluyen la cerámica textil, el arte popular y marginal, el diseño y el videoarte. @robertasmithnyt

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