Artistas latinoamericanos reinventan sus historias

Anuncio

Apoyado por

Elección de la crítica

Nuestro crítico dice que "Chosen Memories" en el MoMA es uno de los espectáculos de colecciones recientes más conmovedores. El tema del cambio y la inestabilidad es un hilo vinculante.

Por Holland Cotter

La tierra de los valientes y el hogar de los libres siempre ha sido pesimista en cuanto a las fronteras, quién entra y quién se queda fuera. Políticamente estamos sintiendo esa tensión enormemente ahora. Y siempre ha sido culturalmente evidente en, por ejemplo, el tipo de arte que nuestros museos han traído a través de la puerta.

El patrón largo pero esporádico del Museo de Arte Moderno de coleccionar arte latinoamericano del siglo XX ofrece un indicador constructivo. Al principio favoreció el arte que parecía ver como una especie exótica: folclórica, surrealista, evidencia de que al sur de la frontera había un terreno salvaje, apenas moderno.

Después de la Segunda Guerra Mundial, con el intercambio cultural cada vez más utilizado como una herramienta diplomática, el MoMA quería un mayor compromiso con el nuevo arte latinoamericano, pero ahora un tipo de arte que parecía estar hecho por "gente como nosotros", es decir, un trabajo que parecía llevan clara evidencia del ADN europeo, como la abstracción geométrica.

Luego, en la década de 1970, llegó la recesión mundial. Los mercados de arte quebraron. Y en medio de la confusión, los muros comenzaron a derrumbarse a medida que llegaba la reorganización de otorgamiento de permisos llamada multiculturalismo (pro-diversidad, anti-esencialista).

Cada vez más, a medida que ese episodio inicial de lo que a veces se llama posmodernismo retrocede en la historia, parece ser una de las horas más hermosas y germinativas del arte del siglo XX. MoMA ha tardado mucho tiempo (décadas) en abordar esto, pero está bien avanzado para juzgar por "Recuerdos elegidos: arte latinoamericano contemporáneo del regalo de Patricia Phelps de Cisneros y más allá", una de las exposiciones de colecciones de museos más conmovedoras. He visto en Nueva York en un tiempo.

En la década de 1970, Patricia Phelps de Cisneros, nativa de Venezuela y miembro del MoMA desde hace mucho tiempo, ya estaba interesada en el arte latinoamericano en un amplio espectro: arte indígena; obra del siglo XIX realizada por europeos que viajaban allí; artefactos coloniales híbridos; y la pintura y la escultura modernistas. En 2016 regaló al museo más de 100 obras modernistas y hubo una muestra. Pero para entonces ya había centrado su atención en el arte nuevo y en 2019 hubo un regalo aún mayor, este de trabajo contemporáneo, que incluye fotografía y video.

Unas tres docenas de ejemplares, la mayoría de las últimas tres décadas y complementados con préstamos, componen la muestra actual. Y juntos reflejan —y reflexionan críticamente— todas las categorías del arte latinoamericano que le interesaron desde un principio.

Por ejemplo, la compleja historia del colonialismo, en gran parte eliminada de la abstracción modernista, entra en juego en una de las primeras entradas de la exposición, "El Proyecto Catherwood" del artista argentino Leandro Katz.

En la década de 1840, el artista inglés Frederick Catherwood viajó dos veces a América Central e hizo dibujos de las ruinas mayas allí. Publicadas como copias, sus imágenes le dieron al público europeo una primera mirada a estos monumentos antiguos y establecieron una visión romántica del "Nuevo Mundo" que persiste en el presente de los autobuses turísticos. En su serie "Catherwood". Katz considera la precisión de esas imágenes a través de comparaciones sobre el terreno: se fotografía a sí mismo sosteniendo las imágenes del ilustrador frente a los monumentos mayas que representan. Katz nota las manipulaciones de Catherwood, pero también entiende que inevitablemente está agregando su propia visión distorsionada del siglo XX a una historia perceptiva en capas.

La cultura indígena, crucial pero poco reconocida por el modernismo europeo, se menciona repetidamente en el programa. En 1996, la artista nacida en México, Laura Anderson Barbata, pasó un tiempo con los yanomami en la selva amazónica venezolana y aprendió de forma práctica cómo creaban sus gráciles canoas. A cambio de esta instrucción, les enseñó a hacer papel. Vemos los frutos de la reciprocidad en la muestra: en una fotografía, que Barbata ha titulado "Autorretrato", de un barco tallado a mano que se yergue como si tuviera vida propia; y en ágiles dibujos de la fauna y flora amazónica de la artista yanomami Sheroanawe Hakihiiwe, todos hechos en papel de fibra hecho a mano.

Algunos artistas hacen de la tradición algo hábil y divertido. El artista mexicano Gabriel Kuri juega con nociones de valor, trabajo y cultura de consumo en su imagen tejida en telar de un recibo de supermercado. También lo hace el colectivo de Puerto Rico llamado "Las Nietas de Nonó", integrado por dos hermanas (Mulowayi Iyaye Nonó y Mapenzi Chibale Nonó) que, aisladas durante la pandemia, convirtieron su vida cotidiana en una especie de cazadores-recolectores de regreso a lo básico. picnic.

Lo que se toma en serio es algo con lo que la mayoría del arte occidental dominante ya no sabe qué hacer, pero que el multiculturalismo respetó notablemente: la espiritualidad. En una pintura de 2020 de la artista dominicana Firelei Báez, una poderosa deidad femenina afrocaribeña baila y domina un mapa europeo del océano Atlántico del siglo XVI.

Y en dibujos a lápiz, la artista colombo-coreana Gala Porras-Kim documenta cientos de fragmentos textiles dejados hace siglos como ofrendas del templo al dios maya de la lluvia y ahora conservados en un museo etnológico de la Universidad de Harvard. En la muestra se incluye una carta que la artista escribió a la directora del museo pidiéndole que libere las ofrendas de su prisión de archivo y permita que se conviertan en polvo como pretendían sus donadores. Su carácter perecedero, argumenta, es lo que los hizo poderosos.

El tema del cambio y la inestabilidad, aquí a menudo enmarcado como pérdida, es uno de los hilos vinculantes del programa, y ​​uno complicado. Históricamente, la pérdida puede ser violenta, como se sugiere en un trabajo feroz de la siempre sorprendente artista de performance guatemalteca Regina José Galindo. Para un trabajo de 2010 llamado "Saqueo", que aborda las depredaciones extractivas del colonialismo europeo en su tierra natal rica en minerales, hizo que un dentista en Guatemala le colocara empastes hechos con oro extraído localmente en ocho de sus dientes, y luego le pidió a un segundo dentista: en Europa, para quitar los empastes, que se exhiben como arte en una vitrina.

Varias obras sobre la pérdida tienen, como la suya, una carga política. Un video corto titulado "Antropología negra II" de 2014 de Paulo Nazareth es uno. En él, el artista yace semienterrado bajo montones de cráneos y huesos humanos, los restos de prisioneros afrobrasileños que encontró almacenados en un museo policial en Bahía.

En una fotografía de 1989 titulada "Las dos Fridas", los activistas homosexuales chilenos Francisco Casas Silva y Pedro Mardones Lemebel (1952-2015) posan, con el torso desnudo y falda, sus cuerpos conectados por un tubo intravenoso, en un riff de la era del SIDA en Kahlo. famoso doble autorretrato.

Su imagen se puede leer como un tributo a la asociación, artística o afectiva, o ambas. Entonces, ¿puede una pequeña escultura alegre ensamblada a partir de un atril, un par de tijeras de jardín y una sola rosa, dedicada a un amigo, un amante? — por el escurridizo erudito venezolano Claudio Perna (1938-1997).

Hay una vibra conmemorativa en esta pieza, como la hay en un video de 2009 que en realidad fue concebido como un gesto de luto por adelantado por el artista uruguayo Alejandro Cesarco. Titulado "Memoria presente" (2010), es un retrato filmado en silencio del padre de Cesarco, un médico, realizado poco después de recibir un diagnóstico de cáncer de pulmón terminal. Vemos al hombre mayor, con su traje elegante y su bigote extravagante, sentado impasible en su oficina y siendo visto repetidamente desde varios ángulos, como para fijar sus rasgos en nuestras mentes. Luego la cámara recorre la habitación, ahora vacía. El se fue.

Aquí se destila un tono fundamental de la muestra, organizada por Inés Katzenstein, curadora de Arte Latinoamericano en el MoMA y directora del Instituto de Investigación Cisneros, y Julia Detchon, asistente curatorial: una especie de intranquilidad, ironía, confrontación con la realidad. una melancolía que se siente muy diferente al utopismo muchas veces atribuido al arte latinoamericano a partir de la pintura abstracta geométrica que, hasta hace poco tiempo, lo ha definido en muchas colecciones de museos norteamericanos.

En realidad, la abstracción geométrica tiene una presencia, aunque ambigua, en "Memorias elegidas", en la forma de una pintura mural específica del sitio del artista brasileño Iran do Espírito Santo. Compuesta en su totalidad por líneas verticales en tonos de gris que varían sutilmente, la pintura es difícil de ver primero, como una sombra pasajera o una mancha oscura. Parece tanto ensuciar la pared blanca de la galería como disolverla, ya sea como una ayuda para la meditación o como un error. Titulado "En Passant" y comisionado para la ocasión, desaparecerá físicamente cuando termine el espectáculo, pero permanecerá vívido como una idea, como gran parte del resto de lo que está aquí.

Memorias escogidas: arte latinoamericano contemporáneo del regalo de Patricia Phelps de Cisneros y más allá

Hasta el 9 de septiembre, Museo de Arte Moderno, 11 East 53rd Street, (212) 708-9400; moma.org.

Holland Cotter es el crítico de arte cojefe de The Times. Escribe sobre una amplia gama de arte, antiguo y nuevo, y ha realizado extensos viajes a África y China. Fue galardonado con el Premio Pulitzer de crítica en 2009.

Anuncio