¿Qué tan duro puede llegar a ser el arte? ¿La IA necesita terapia? Y otros pensamientos en el aire en London Gallery Weekend

La escena artística de Londres está tratando de crear un momento de mitad de año antes de Art Basel.

Naomi Rea, 5 de junio de 2023

Los pisos estaban un poco pegajosos en el Groucho, un club de miembros privados en Soho que ha atraído a una cohorte de gente creativa y mediática desde la década de 1980, y que ha tenido una especie de renacimiento en la escena artística desde que fue adquirido el año pasado por el brazo de hospitalidad de los galeristas suizos detrás de Hauser y Wirth. La fiesta de lanzamiento del London Gallery Weekend no fue del todo equivalente a las escenas del centro de Nueva York tomadas por el escritor y colaborador de Warhol Bob Colacello (a la vista en Thaddaeus Ropac), pero aún así, un grupo de gente hermosa disfrutó de los chorros de verano junto a pintores emergentes, incluida Sasha Gordon. y Joy Labinjo.

Para los mecenas comprometidos con las artes, el incipiente fin de semana de galerías de Londres plantea una tarea algo imposible. La geografía en expansión de la ciudad y las más de 150 galerías participantes la hacen infinitamente menos manejable que su contraparte, por ejemplo, en Berlín. Entre exposiciones, fiestas de inauguración y cenas, tal vez haya demasiada competencia por su atención.

Joy Labinjo y Precious Adesina asisten a la fiesta de inauguración del fin de semana Frieze 91 x London Gallery que celebra la escena creativa de Londres en The Groucho Club el 1 de junio de 2023 en Londres, Inglaterra. (Foto de Dave Benett/Getty Images para London Gallery Weekend x Frieze)

Pero Londres necesita esto. Las galerías aquí han tenido más dificultades para recuperarse de la pandemia que en otros centros. Esas dificultades se sumaron a los obstáculos logísticos y las malas vibraciones que acompañan al Brexit, e incluso eso fue antes de que las tasas de inflación se dispararan y la mayor incertidumbre comenzara a afectar al mundo del arte. Con un mercado que depende en gran medida de las ventas realizadas fuera del país, y la competencia de París acaparando la atención últimamente, hay mucho en juego en este evento. Tiene que entusiasmar a los compradores nacionales y extranjeros, y crear un momento de mitad de año en el calendario de la ciudad fuera de la Frieze Week en octubre.

Entonces, ¿qué tiene que ofrecer el paisaje artístico de Londres? Aquí hay algunas preguntas que estaban en el aire antes del fin de semana del maratón.

Vista de instalación de "Para doblar la oreja del mundo exterior: Conversaciones sobre pintura abstracta contemporánea" en Gagoian en Londres, abierta hasta el 25 de agosto de 2023. Foto cortesía de Gagosian.

Desde el surgimiento de la pintura abstracta a principios del siglo XX, la atención del público ha oscilado a intervalos entre el amor por la abstracción y la figuración. A partir de ahora, a principios de mediados de 2023, la pintura figurativa de moda está disfrutando de un momento saludable en el centro de atención. Sin embargo, una gigantesca exposición de 40 pintores abstractos vivos en Gagosian planteó la pregunta de si estamos en medio de un péndulo que oscila en la otra dirección. "Creo que ambos han existido en paralelo", me dijo el curador Gary Garrels en la inauguración de "To Bend the Ear of the Outer World".

"Ha habido mucha atención pública en los últimos años por el trabajo figurativo y he sentido que se está haciendo un trabajo bueno e interesante que es abstracto y quería destacar eso", agregó Garrels.

La exposición estuvo repleta de las estrellas de la abstracción contemporánea. Incluso en medio de las obras estelares de Gerhard Richter, Cecily Brown y Frank Bowling, y la tarifa de superestrellas más jóvenes, como Jadé Fadojutimi, podrías descubrir algunas obras destacadas de artistas que han tenido menos tiempo al aire últimamente. Entre estos había un lienzo de Jacqueline Humphries que capturaba algo del ruido que distrae la vida moderna y un momento meditativo de tranquilidad ofrecido por Jennie C. Jones.

Vista de instalación, Jacqueline Humphries en Modern Art. Foto de Michael Brzezinski.

Ciertamente hay un apetito por la materialidad de la pintura abstracta a medida que salimos de la pandemia y comenzamos a regresar a los eventos en persona. El medio no ofrece hilos narrativos sencillos, por lo que su poder exige una visualización en la vida real para captar la escala, el color, la textura, la superficie y los gestos que se realizan. Pero, ¿cuáles son las características definitorias de la pintura abstracta que se hace hoy?

"Creo que se trata de la fuerza de los individuos, la afirmación de la identidad y la imaginación individuales", dijo Garrels. "No hay ranura, no hay caja en la que todos intenten encajar. No hay movimiento. No es expresionismo abstracto, no es arte pop, no es Color Field... Se trata simplemente de individuos que tienen la fuerza de sus propias convicciones".

Jacqueline Humphries también recibe bienes raíces en solitario de Modern Art en sus dos espacios. Sus lienzos de conocimiento se basan en la historia de la pintura abstracta y la infunden con formas y gestos nativos digitalmente. Una serie de pinturas "anteriores al vandalismo" llevan marcas que recuerdan a Jackson Pollock pero que también comprenden la agencia política de este tipo de marcas en la actualidad, invocando específicamente las acciones realizadas por activistas climáticos desesperados por captar la atención de los medios arrojando sustancias a las pinturas en los museos. En el texto del catálogo de la exposición de Gagosian, Humphries nos recuerda que la abstracción es la noción de que "quizás puedas aumentar el efecto 'real' sin el intermediario de 'cosas' representadas". -grabado a mis retinas días después.

Vista de instalación, "Hardcore", Sadie Coles HQ, Londres, 25 de mayo de 2023 – 5 de agosto de 2023. Credit: © The Artist/s. Cortesía de The Artist/s y Sadie Coles HQ, Londres. Foto: Katie Morrison / Sadie Coles HQ, Londres.

Muchos de nosotros hemos seguido sintiendo los efectos colaterales de estar físicamente aislados durante varios años, y los eventos y las inauguraciones todavía no se sienten totalmente "de vuelta a la normalidad". Durante el fin de semana fui testigo de muchos bailes incómodos mientras la gente intentaba leer en microexpresiones si un apretón de manos o, ¡Dios no lo quiera!, un beso en el aire eran formas permitidas de saludo. Agregue a eso los efectos de nuestro retiro masivo en línea y la consiguiente desintegración adicional de nuestro sentido compartido de la realidad, y muchas personas han salido del otro lado del encierro habiendo internalizado el aislamiento sociopolítico que comenzó mucho antes de la pandemia y se ha polarizado en ambos lados de la división demasiado despierto y anti-despertado. Así que estaba buscando temas de intimidad física, conversaciones sobre la cultura de la cancelación y cualquier deseo de matizar.

Y chico, los encontré en la sede de Sadie Coles. Una exposición grupal desafiante titulada "Hardcore", que incluyó a 18 artistas, exploró temas de la sexualidad en sí misma, totalmente indiferente a las reglas sociales. Como Mistress Rebecca, la dominatriz que escribió el texto curatorial del programa, lo expresó: "Un hardcore rechaza las sutilezas porque ser hardcore es nunca caer en los parámetros seguros y simples de lo correcto o lo incorrecto. Hoy en día esto parece ser una situación innecesariamente rara". , incluso una posición valiente para tomar ".

King Cobra/ Doreen Lynette Garner, En el festín de los cerdos (2022). ©KING COBRA (documentado como Doreen Lynette Garner). Cortesía de The Artist y JTT, Nueva York.Foto: Katie Morrison / Sadie Coles HQ, Londres.

Diferentes personas que se mueven a través del programa pueden encontrar su línea desafiante en diferentes puntos. Para mí, el látigo de Monica Bonvicini de cinturones de cuero con hebillas que se balancean en círculos suaves o la pintura de Joan Semmel de 1977 For Foot Fetishists se sentía manso, pero las cosas se acercaron más al hueso con Ex Axes de Darja Bajagić, recuperando imágenes de sitios fetichistas de "mujeres con armas". , y el cadáver descuartizado de King Cobra/Doreen Lynette Garner completo con un tejido rubio manchado de sangre. Llegar al fleischbild/famillienbild (Retrato de carne/Retrato de familia) de Miriam Cahn de 2017 provocaría una mueca de dolor incluso en los más liberados sexualmente; representa a una pareja teniendo relaciones sexuales enérgicas mientras una figura infantil del tamaño de una pinta en primer plano se da la vuelta. El trabajo de Cahn en particular, cuya reciente exhibición en el Palais de Tokyo desató una tormenta de controversia en Francia, parece estar justo en el filo de la navaja de lo que puede ser socialmente aceptable hoy.

Miriam Cahn, foto de carne/foto de familia (2017). © Miriam Cahn. Cortesía de The Artist y Meyer Riegger, Berlín/Karlsruhe.Foto: Katie Morrison/Sede de Sadie Coles, Londres.

Se puede encontrar más cuero en las esculturas de Lisa-Marie Harris y los relieves montados en las paredes de la Galería Cooke Latham, que responden a los comentarios de vergüenza corporal y objetivación sexual que la artista ha recibido a lo largo de los años, y comentan sobre la vigilancia y el monitoreo hipervigilante. del cuerpo femenino como respuesta a la violencia sexual ejercida sobre las mujeres. En otro lugar, en Stephen Friedman, los autorretratos surrealistas de Sasha Gordon, que incluyen imágenes de sí misma como un topiario viviente y como un gato, exploran la alienación de los cuerpos humanos no convencionales y cuestionan su identidad como una mujer asiático-estadounidense queer en un espectáculo titulado "The Flesh desaparece, pero sigue doliendo".

Los gigantescos avances en el desarrollo de la IA han llevado el tono de la conversación arte-tecnología a un punto álgido; los tecnólogos están haciendo sonar la alarma sobre la amenaza que la IA representa para la existencia humana misma. Pero incluso antes de este giro reciente en el discurso, los efectos desestabilizadores de Internet y su avalancha de información y distracciones han brindado a los artistas un amplio material con el que trabajar.

En el espacio del cuartel general de Sadie Coles en Davies Street, el ultra profético "Black Cloud Highway 黑云高速公路" de Lawrence Lek derriba el mito del progreso tecnológico en la era de la inteligencia artificial. La fascinante película de 11 minutos de Lek, Black Cloud, sigue a una IA de vigilancia solitaria en una ciudad abandonada: SimBeijing, una réplica de la capital china construida por una empresa de tecnología para probar los autos sin conductor. Informa accidentes hasta que se destierran todas las demás IA, dejándolo solo en la metrópolis. Luego se involucra en un programa de terapia de autoayuda para ayudarlo a sobrellevar la situación. El aura de poshumanidad llena al espectador con el temor de que estamos al borde de un abismo, un sentimiento ayudado por una banda sonora contundente de Lek y Kode9.

Lawrence Lek, Black Cloud 黑云 [fotograma] (2021). ©Lawrence Lek, cortesía de las oficinas centrales de Sadie Coles, Londres.

En Gazelli Art House, la exploración de la IA y el aprendizaje automático de Jake Elwes, "Zizi – Queering the Dataset", revoluciona la tecnología estandarizada de reconocimiento facial al alimentarla con miles de imágenes de artistas drag. Y Machine Learning Porn (2016) expone la comprensión distorsionada de la biología humana por un algoritmo entrenado para eliminar imágenes explícitas al encargarle la creación de imágenes pornográficas.

Maisie Cousins, Cabeza Verde (2023). Foto cortesía de TJ Boulting.

Lo que estos espectáculos destacados tienen en común (las pinturas abstractas, las provocaciones intelectuales, la experimentación tecnológica) es que todos se enfrentan a las dificultades específicas de la vida contemporánea; el presente aislado y aterrador, la incertidumbre sobre el futuro y la inadecuación de los sistemas, formas, lenguaje, reglas y costumbres sociales que tenemos disponibles para responder a esta náusea existencial.

Muchas de estas obras han encontrado la forma de expresar este sentimiento, y también de proponer un camino a través de él. Expresan un deseo por los matices, por queer y cuestionar etiquetas y cajas, y por abrir espacio para otras formas de pensar, ser y ver que no están definidas. Algo que dijo Garrels sobre la abstracción en su show de Gagosian podría extrapolarse a todas estas obras: "Al final del día, son los individuos que están allí en sus propios términos, luchando por encontrar significado y coherencia dentro de este vasto aluvión de información".

Javier Calleja, Aún a tiempo (2023). Cortesía del artista y Almine Rech.

La esperanza es que el arte nos devuelva algún sentido de comprensión compartida sobre la naturaleza de la existencia, la perseverancia del espíritu humano y cómo podemos superar este momento difícil de la historia.

Y si todo se siente un poco abrumador, London Gallery Weekend también lo tiene cubierto. Aquellos que necesiten algo para aliviar todo este cuestionamiento embriagador pueden dirigirse a Almine Rech, donde los adorables personajes de Javier Calleja ofrecen algo así como un limpiador de paleta.

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Por Jo Lawson-Tancred, hace 2 días