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Alison Saar, vista de instalación de "Uproot" en LA Louver, 2023. © Alison Saar. Cortesía de LA Louver.

Las ferias de arte llegan a Los Ángeles esta semana y hay más para ver que nunca. Este año, Frieze se expande al aeropuerto de Santa Mónica y Felix Art Fair llega a su quinta iteración con un día adicional de visualización relajada junto a la piscina. Mientras tanto, LA Art Show entra en el año 28 con una mayor presencia mundial, ya que SPRING/BREAK llega con el prometedor tema "Naked Lunch".

Pero si todo eso no es suficiente, la ciudad también está repleta de espectáculos en galerías imperdibles. Debido a que la fatiga de las ferias es real, las galerías pueden servir como un espacio tranquilo de refugio para aquellos que buscan recuperar el aliento sin sacrificar tiempo lejos del arte en sí.

A continuación, compartimos 10 exhibiciones de galerías imperdibles que constituyen el interludio perfecto entre las festividades de la feria.

Huma Bhabha y Michael Williams, vista de instalación de "Bhabha Williams" en la Galería David Kordansky, Los Ángeles, 2023. Foto de Jeff McLane. Cortesía de la Galería David Kordansky.

Huma Bhabha y Michael Williams se unen por primera vez para presentar una exposición de nuevas obras en la Galería David Kordansky. Juntas, las esculturas y obras en papel de Bhabha, con las pinturas y dibujos de Williams, impregnan el espacio con una disonancia eléctrica que intriga con su consideración de sentimientos en conflicto. Atracción y repulsión, diversión y seriedad, figuración y abstracción, lo literal y lo alegórico, más lo humano y lo extraterrestre, todo choca en "Bhabha Williams".

La serie abstracta "Puzzle" de Williams de pinturas al óleo sobre lienzo a gran escala trae una cacofonía de texturas en tonos grises con la interrupción ocasional del color. Los dípticos y trípticos se sienten frenéticos y adquieren una calidad gráfica, especialmente contra la quietud mesurada de las esculturas de corcho y madera de Bhabha, que presentan figuras totémicas humanizadas por títulos que funcionan como descripciones de trabajo, como se ve en Writer (2022) y Pilot (2022) . Las obras individuales de cada artista se sientan cómodamente en sus contradicciones, pero en la conversación, comienzan a profundizar en cuestiones universales más amplias.

Alison Saar, vista de instalación de "Uproot" en LA Louver, 2023. © Alison Saar. Cortesía de LA Louver.

Las obras de "Uproot" de Alison Saar en LA Louver se basan en una serie de acciones exigentes como la selección, el tallado, la costura y el empedrado. Una pieza, Shear'd (2023), requería martillar 1000 clavos individuales en un busto, que servían como mechones de cabello recién "arrancado". En su reconfiguración de las representaciones históricas de la feminidad negra, la artista utiliza procesos intensivos en mano de obra que son paralelos a los de los recolectores de algodón y las cuadrillas ferroviarias. La subversión y las contranarrativas prevalecen en su impulso por promover la soberanía de las mujeres negras sobre el sufrimiento.

En su octava exposición individual con la galería, Saar también utiliza imágenes de Sable Venus, que lleva una concha en una mano y una hoz en la otra. Aquí, Saar explora la intersección de la desigualdad de género racializada y los derechos reproductivos, que se sienten particularmente relevantes con la revocación de Roe v. Wade por parte de la Corte Suprema, un fallo que afecta de manera desproporcionada a las mujeres de color.

Mimi Smith, vista de instalación de "Head-On" en Luis De Jesus Los Ángeles, 2023. Cortesía de la artista y Luis De Jesus Los Ángeles.

Luis De Jesus Los Ángeles presenta la primera exposición individual de Mimi Smith en la costa oeste, "Head-On", que incluye esculturas, pinturas y dibujos que abarcan la carrera de seis décadas de la artista pionera. Precediendo al movimiento de arte feminista de la década de 1970, el audaz trabajo de Smith excavó la naturaleza de la feminidad y la vida doméstica antes de que fuera popular. También fue profético al introducir elementos autobiográficos en el trabajo cuando el formalismo instruyó que el arte debería estar alejado de la emoción.

Las esculturas de Smith se sienten más relevantes que nunca frente al panorama cultural actual. Camouflage Maternity Dress (2004), por ejemplo, presenta el patrón de combate como se sugiere en su título, pero incorpora una cúpula de plástico transparente que podría encerrar y mostrar de manera prominente un posible bulto de bebé, deshaciendo la función de camuflaje por completo. La artista compara los desafíos de navegar el embarazo con los de estar en un campo de batalla, pero su forma de entretejer sutilmente su experiencia personal en las obras es lo que les da un sentido característico de inmediatez y relacionabilidad.

Charlie James Gallery presenta "JA – RT – LA – 23", su segunda exposición dedicada a los legendarios artistas neoyorquinos John Ahearn y Rigoberto Torres, cuando el dúo entra en su cuarta década de creación artística colaborativa. Viejas y nuevas esculturas se mezclan en un recorrido que incluye la familiar Chico (1981), así como piezas que se realizaron tan recientemente como el año pasado. De hecho, un par de esculturas realizadas por la misma persona con más de 30 años de diferencia, Nikki (1991) y Nico (2022), tienen una forma de unir el pasado con el presente.

Los retratos en yeso de amigos artistas, un médico, un vendedor de mangos, un tío Tito en una licorería, el propio Torres y otros forman una retrospectiva crucial, pero más aún, una comunidad en constante crecimiento imbuida de una calidez tangible y textural. Los temas alternan entre sonrisas y contemplación tranquila, pero cada uno, de una forma u otra, se siente profundamente conectado con los propios artistas.

"Time Life" de Mungo Thomson llega a Karma después de una década de evolución artística. La exposición individual consta de ocho videos cortos, el tema sobre el cual el artista residente en Los Ángeles ha reflexionado durante años. Los videos se presentan como capítulos distintos y se extienden a ambos lados de la línea entre lo digital y lo analógico.

En la pantalla, los textos de referencia como enciclopedias y guías prácticas se digitalizan, mientras que los eventos banales de la existencia humana se utilizan para explorar el tiempo geológico. Altamente coreografiado, una avalancha de imágenes que presentan actividades mundanas como hacer ejercicio y cocinar. Aquí, Thomson considera las actividades cotidianas en un nivel cósmico para mirar el tiempo desde nuestra realidad compartida más amplia.

Shuzo Azuchi Gulliver, vista de instalación de "Synogenesis" en Nonaka-Hill, 2023. Cortesía de Nonaka-Hill.

Nonaka-Hill celebra la carrera de Shuzo Azuchi Gulliver con la primera exposición individual del artista en la Costa Oeste, "Synogenesis". La encuesta de obras multimedia abarca medio siglo de creación artística, con la pieza más reciente realizada en 2022.

La práctica de Azuchi fue moldeada por primera vez por Marcel Duchamp después de encontrar un libro del trabajo del artista dadaísta en 1963. Esto inspiró a Azuchi a montar su primer acontecimiento en la escuela secundaria ese mismo año. Una actuación de ese período incluye Grassfields (1963), en la que nueve artistas desyerbaron una parcela del patio de la escuela mientras los espectadores miraban desde el techo.

A lo largo de los años ha sido constante el uso liberado del cuerpo por parte de Azuchi como punto de referencia de su relación con el tiempo y el espacio. A menudo adopta un enfoque cómico de la naturaleza de la realidad y confía en la presencia física de uno para comprender mejor los aspectos más intangibles del mundo.

En "Endnotes for Sunshine" en Anat Ebgi, Jessica Taylor Bellamy reflexiona sobre su experiencia personal como angelina nativa para considerar las nociones de hogar y las precarias estructuras culturales y ambientales de Los Ángeles. Bellamy yuxtapone lo hecho a mano con lo producido en masa extrayendo imágenes y textos de periódicos, fotografías y videos de su archivo personal. Corta capas, reorganiza y vuelve a fotografiar papel de periódico que luego convierte en serigrafías a gran escala antes de pintar las imágenes sobre lienzo.

Los errores de registro intencionales de Bellamy, logrados a través de la serigrafía, dan paso a una especie de locuras absurdas de poesía encontrada. Fuera de contexto, los textos resumidos son divertidos al principio, pero también crean espacio para conversaciones sobre nuestra relación más amplia con los medios y, más específicamente, la menguante presencia de los medios impresos.

Various Small Fires presenta "Somewhereinamerica", una exposición individual de pinturas, esculturas y acuarelas de Jammie Holmes. El artista con sede en Dallas busca recuerdos personales y comunitarios, tanto familiares como históricos, para informar sus pinturas sobre la comunidad, la resiliencia y la pertenencia. La perspectiva de Holmes sobre la vida de los afroamericanos tiene una empatía palpable que se extiende a otros grupos minoritarios ya la humanidad en su conjunto.

En "Somewhereinamerica", los modestos interiores domésticos se pliegan en lujosas atmósferas de éxito. Mientras tanto, otras pinturas se reapropian de la figura de la mamita en un estudio del poder. El marcado contraste entre estos temas no es diferente al latigazo que experimentan las personas de color cuando se mueven de espacios comunitarios familiares a un territorio desconocido donde la aceptación no está garantizada pero es necesaria para el éxito.

Rita Ackermann, vista de instalación de "Vertical Vanish" en Hauser & Wirth, Los Ángeles, 2023. © Rita Ackermann. Foto de Keith Lubow. Cortesía del artista y Hauser & Wirth.

Hauser & Wirth presenta "Vertical Vanish", el debut en la costa oeste de Rita Ackermann con una exposición de pinturas al óleo recientes. Trabajando tanto a gran como a pequeña escala, el artista nacido en Budapest juega con la repetición de gestos, figuras y motivos.

Tonos de verde intenso, azul, negro y rojo se extienden por el trabajo de Ackermann. Aplica gruesos lavados de pintura en capas, luego raspa o borra algunas para revelar figuras ocultas que alguna vez fueron oscurecidas por la abstracción. En la pintura titular Vertical Varnish (2022), las formas figurativas debajo de la superficie se superponen con reveladores estallidos de color. Ackermann maneja el caos con marcado propósito y revelaciones concienzudas que impregnan sus superficies con una sensación de armonía.

Alma Allen, vista de instalación en Blum & Poe, Los Ángeles, 2023. © Alma Allen. Foto de Evan Walsh. Cortesía del artista y Blum & Poe, Los Ángeles/Nueva York/Tokio.

Alma Allen regresa a Blum & Poe con su cuarta exposición individual con la galería. Cuando el artista vivía en Joshua Tree, sus esculturas solían nacer de madera tallada. Sin embargo, desde que se mudó a Topoztlán, México, el artista ha cambiado a los medios de bronce y piedra. Debutando en Blum & Poe están las esculturas en relieve de bronce para colgar en la pared de Allen que presentan suaves pátinas negras, superficies reflectantes y formas singulares. En el centro de la galería se encuentra Not Yet Titled (2022), el nombre que comparten todas las obras, una pieza de mármol de color lechoso tallada con prolijos pliegues que atraen la atención hacia su superficie rugosa.

Afuera, una obra de bronce descansa sobre un pedestal, atrapando charcos de luz resplandeciente entre los pliegues de sus curvas. La escultura, desde su percha ubicada en el centro, pide ser admirada desde todos los ángulos, no muy diferente del cuerpo de trabajo más grande de Allen.

Corrección: una versión anterior de este artículo indicaba incorrectamente la fecha de cierre de "Bhabha Williams".