Mejor arte de 2022

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Este fue un año cuyos puntos culminantes incluyeron una Bienal de Whitney para adultos, un importante estudio del arte puertorriqueño contemporáneo y una de las grandes y pequeñas exhibiciones de todos los tiempos.

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Por Holland Cotter y Roberta Smith

chaveta holandesa

Todavía en recuperación del bloqueo de Covid, los museos de arte en 2022 se esforzaron por atraer el tráfico a través de la puerta. Esto significó una temporada muy inclinada, en el lado de la marquesina, hacia una vieja normalidad: tarifa familiar y de bajo riesgo. Al mismo tiempo, incluso nuestras instituciones grandes y conservadoras han comenzado a aceptar el hecho de que deben atraer a audiencias nuevas y demográficamente diversas si quieren tener un futuro. Y este impulso parece estar detrás de algunos de los espectáculos más estimulantes del año.

Este sorprendente espectáculo dio una idea de cómo se veía y se sentía un mundo de arte New Normal cuando llegó hace más de medio siglo. Los primeros años de la década de 1960 fueron un momento bisagra maníaco en la cultura estadounidense, entre la Guerra Fría y la Guerra de Vietnam, los derechos civiles y el poder negro, las viejas represiones y las liberaciones florecientes. Art, pasando de Ab-Ex a Pop, sintió los temblores de todo esto, y recorren la mezcla de arte y artefactos de la exposición. Culturalmente, Nueva York estaba encaramada en el borde de algo e inclinada hacia adelante, una condición tambaleante, realmente un Nuevo Anormal, del que podemos aprender mucho. (Lea nuestra reseña de "Nueva York: 1962-1964".)

¿Cuándo es una cápsula del tiempo un cofre del tesoro? ¿Cuándo se lee un álbum de recortes como un plan de estudios utópico? ¿Cuándo alcanza un archivo de arte su propia forma de arte? Cuando una encuesta histórica como esta se nos presenta. La galería llamada Just Above Midtown debutó en Manhattan en 1974 y fue el primer espacio de arte comercial propiedad de afroamericanos en plantar una bandera dentro de la comunidad cerrada que era (y sigue siendo) un mundo de arte blanco de Nueva York. Sostenido por el trabajo duro y las tarjetas de crédito al máximo, JAM presentó una increíble variedad de nuevos talentos; cuando cerró en 1986, había cambiado la textura del arte estadounidense y establecido un modelo tolerante al riesgo y positivo para las empresas experimentales que siguieron (hasta el 18 de febrero). (Lea nuestra reseña de "Justo encima del centro de la ciudad").

Retrasada un año por la pandemia, esta Bienal notablemente sombría y con un sentimiento adulto estuvo a la altura de su silencioso título. "Quiet as It's Kept" se sintió como una coda reflexiva a los tres años de una historia nacional conmovedora en la que fue concebida, una época marcada por la división social, la violencia racista y la mortalidad implacable. De los dos pisos principales de la exposición, uno era una sala de exposición abierta con la variedad de objetos típicos de la mayoría de las bienales. La otra era una instalación sombría extendida de videos, fotografías y trabajos de audio de un tipo que no recuerdo de bienales anteriores, una meditación que suspende el tiempo sobre la historia en el ahora, perfectamente atmosférica. (Lea nuestra reseña de la bienal de este año).

Aunque el nombre del artista yoruba Moshood Olusomo Bamigboye todavía es poco conocido fuera de Nigeria, la retrospectiva de su montañosa carrera en Yale fue uno de los puntos escultóricos más destacados de la temporada, y fue un estudio inusualmente completo, que abarca en unas 30 tallas todos los principales conocidos. obra del artista, que murió en 1975. La pieza central es un espectacular conjunto de máscaras, una de las máscaras talladas en madera de una sola pieza más grandes que se conocen en África, repleta de figuras de aldeas y reinos espirituales. Bamigboye le dio a cada una de estas esculturas complejas el título genérico de "Atofojowo", que significa "puedes mirarlo durante todo un día". Verdadero. (La muestra estará abierta hasta el 8 de enero). (Lea nuestra reseña de "Bamigboye: un maestro escultor de la tradición yoruba").

Con su título de campana de viento, esta fue la primera encuesta de Nueva York para Vicuña, una artista que nació en Chile en 1948 y ha vivido en la ciudad de Nueva York, principalmente bajo el radar del mercado del arte, durante cuatro décadas. Aunque se la conoce principalmente como poeta, la muestra fue rica en pinturas, videos y monumentales tejidos calados inspirados en los textiles indígenas andinos, todo lo que refleja su política eco-activista y pro-desvalida a lo largo de su carrera. En la rotonda de la catedral modernista del Guggenheim, gran parte de su trabajo parecía improvisado e impermanente, exactamente correcto para un artista que una vez dijo: "Estamos hechos de desecho y seremos desechados". (Lea nuestra reseña de "Cecilia Vicuña: Spin Spin Triangulene").

La Gran Migración, la dispersión de unos 6 millones de estadounidenses negros fuera de un peligroso Jim Crow South hacia lo que esperaban sería una vida más segura y próspera en las ciudades del norte y el oeste, obtuvo una actualización importante en esta exposición itinerante, organizada por el Mississippi Museo de Arte de Jackson, Mississippi, y el Museo de Arte de Baltimore. El trabajo encargado a una docena de artistas contemporáneos y completado durante una pandemia que detuvo la mayoría de los viajes discrecionales, fue fuerte, la historia que abordó fue convincente y continua a medida que los descendientes de los inmigrantes originales, incluidos algunos de los artistas de la exposición, han regresado al Sur. . En el Museo de Arte de Baltimore hasta el 29 de enero. (Lea nuestra reseña de "Un movimiento en todas las direcciones").

Esta pequeña exposición en la Galería de Arte Wallach de la Universidad de Columbia estableció claramente sus objetivos en un texto de pared: era sacar un conjunto de objetos religiosos de China, Japón, Tíbet y otros lugares de Asia del contexto de la historia del arte académico y devolverlos en los templos y tumbas y manos devotas para las que fueron hechos. Los objetos eran todos de las colecciones rara vez exhibidas de la universidad. Algunos eran sencillos y desgastados por el tiempo; otros eran encantadores; algunos eran incluso estrellados para los estándares de los museos. Pero al presentarlos, no como "obras maestras" del arte, sino como herramientas de poder espiritual, dispositivos íntimamente transaccionales, la muestra les dio vida de una manera que los museos rara vez hacen. (Lea el cuaderno de nuestro crítico sobre "¿Cuál es el uso del arte budista?")

El primer estudio importante del arte puertorriqueño contemporáneo en un museo líder de los EE. UU. en casi 50 años, esta muestra es una obra de amor, una expresión de ira y dolor, y una belleza matizada. En un nivel obvio, se trata de la devastación que causó el huracán María en la isla en 2017, pero su tema real es la historia del colonialismo estadounidense que precedió a ese evento y continúa en la actualidad. Casi todo en la muestra desmiente la idea de que el arte "político" es, por definición, feo. Y hasta el último trabajo confirma la verdad de que la política es siempre personal. (Hasta el 23 de abril). (Lea nuestra reseña de "no existe un mundo poshuracán").

Este espectáculo de bolsillo con facetas poéticas sobre el papel material y simbólico del agua en la vida de los nativos americanos incluye un fascinante video de 2016 de manifestantes políticos, "protectores del agua", en la reserva Standing Rock Sioux en las Dakotas. En el momento justo, levantan paneles de espejos que reflejan el sol sobre sus cabezas y comienzan una danza procesional de protesta y preservación que se arremolina y reluce. En un año en el que el activismo contra el cambio climático finalmente captó toda la atención del mundo de la cultura a través (al momento de escribir este artículo) ataques no violentos con tácticas de choque de jóvenes manifestantes contra obras de arte de alto perfil, este espectáculo matizado sobre la preciosidad elemental se destacó. (Hasta el 2 de abril) (Lea nuestra reseña de "Recuerdos del agua").

roberta smith

La fiesta móvil de este año de destacadas exhibiciones en museos y galerías a menudo me dejó sin aliento. Los que más me impactaron solían ser proyectos monográficos que sacaban a la luz carreras pasadas por alto, ofrecían nuevos enfoques a las conocidas y, en ocasiones, fomentaban la creatividad curatorial. Los artistas revelados en estos espectáculos eran internos, externos y, a medida que tales límites se disuelven, ambos lados. Todos menos unos pocos profundizaron en el pasado, otorgando una renovada relevancia al presente.

El magistral "Winslow Homer: Crosscurrents" del Museo Metropolitano de Arte dio una nueva mirada al gran pintor estadounidense del siglo XIX, subrayando una atracción por el conflicto que resultó en sus representaciones descarnadamente comprensivas de las batallas y la devastación de la Guerra Civil; tensiones raciales tanto en los Estados Unidos como en el Caribe; y la lucha humana por sobrevivir, expresada más poderosamente en sus pinturas de rescates en el mar y barcos y costas azotados por tormentas. Pero también aquí estaba Homer, el amante de la pintura, cuyas superficies táctiles, sentido del espacio y composiciones inusuales identificaron muchos de sus lienzos como suavemente protomodernistas. (Lea nuestra reseña de "Winslow Homer: Crosscurrents").

"Matisse: The Red Studio" en el Museo de Arte Moderno fue una de las grandes y pequeñas exposiciones de todos los tiempos. Presentaba la visión radical, casi totalmente roja, del artista de su estudio de 1911 en medio de todas las pinturas, esculturas y cerámicas representadas en él (un total de 10 obras). Las obras reunidas incluyeron pinturas poco conocidas como la exquisita posimpresionista "Córcega, el viejo molino", de 1898, y pesos pesados ​​como "El joven marinero II" de 1906, en el Museo Metropolitano de Arte. Estar entre ellos mirando "The Red Studio" creó la extraña sensación de estar en el interior mirando hacia afuera y viceversa. (Lea nuestra reseña de "Matisse: The Red Studio".)

Desde la primavera pasada, la artista neoyorquina de origen francés Louise Bourgeois era conocida por sus enormes arácnidos de bronce, criaturas de aspecto aterrador no muy diferentes a los monstruos devoradores de personas de "La guerra de los mundos". Pero June trajo "Louise Bourgeois: Paintings" del Met, una exposición de 50 obras al óleo poco conocidas realizadas a bordo durante la primera década después de que se mudó a Nueva York en 1938. . Pintadas con la franqueza de un surrealista autodidacta, estas inquietantes obras hicieron un amplio uso de las ansiedades de Bourgeois como nueva madre, su afinidad por un rojo intenso del color de la sangre y su tendencia a ver las casas como seres femeninos, ideas que la llevaron a primeras esculturas. Era como recibir un artista completamente nuevo. (Lea nuestra reseña de "Louise Bourgeois: Pinturas".)

La estridente encuesta del New Museum "Cuestiones de arte y raza: la carrera de Robert Colescott" llamó la atención sobre un pintor estadounidense excepcional que, al igual que Peter Saul y Leon Golub, puso el mismo énfasis en la forma y el tema. Su estilo irreverente con influencias pop enfrentó la historia de la pintura con un comentario inquietante, a veces políticamente incorrecto, sobre la raza en Estados Unidos. Es difícil imaginar a muchos pintores jóvenes, sobre todo Kerry James Marshall y Henry Taylor, sin su ejemplo. (Lea nuestra reseña de "Cuestiones de arte y raza: la carrera de Robert Colescott").

Uno de los mejores espectáculos del año en una galería comercial (que desafortunadamente vi en su último día) fue "Jim Nutt: Retratos" en Venus Over Manhattan, un raro avistamiento de un maestro contemporáneo solitario. Reunió seis pinturas y 14 dibujos de 1987 a 2013, mostrando un talento en el que la precisión y la frugalidad del Renacimiento del Norte se encuentran con una dureza cáustica basada en el surrealismo y la cultura popular estadounidense. Nutt reduce la cara a una especie de mapa donde cada característica existe de forma aislada, con su propio estilo. Las narices se asemejan a afloramientos geológicos; los ojos, que rara vez coinciden, pueden indicarse con las marcas más delicadas. Todos se juntan al final, pero solo después de un examen cuidadoso. Algún día este artista obtendrá la retrospectiva del museo que se merece.

Más excelencia en el frente de la galería comercial provino de 52 Walker, el espacio TriBeCa de la galería Zwirner, en la forma de "Tiona Nekkia McClodden: Mask / Conceal / Carry". Allí, McClodden, uno de los artistas más innovadores del momento, creó un entorno misterioso e inquietante en el que las armas, su manejo y disparo, los rituales que las rodeaban y el lenguaje corporal se descomponían para producir pinturas abstractas, esculturas de bronce, pequeños relieves murales y performance. video. Fue un espectáculo acosado por las armas para una nación acosada por las armas. (Lea nuestra reseña de "Tiona Nekkia McClodden: Enmascarar / Ocultar / Llevar")

Peter Freeman Inc. dio a conocer una revelación: lo último de Fernanda Gomes, un artista brasileño nacido en 1960 que no había expuesto en Nueva York desde 2006. Utilizando materiales livianos en su mayoría encontrados, incluidos fragmentos de muebles, complementados con toques de pintura blanca, Gomes improvisa un arte conmovedor, poético y económico a partir de casi nada. Al presentar más de 30 obras, incluidas dos piezas de instalación ópticamente fascinantes, Gomes se hizo eco de los movimientos de arte moderno desde el constructivismo hasta Fluxus y más allá, y nos dejó con ganas de más. (Lea nuestra reseña del programa de Fernanda Gomes).

En el Museo de Brooklyn, "Really Free: The Radical Art of Nellie Mae Rowe" ​​(hasta el 1 de enero), organizado por el High Museum of Art de Atlanta, proporcionó la primera exposición en profundidad de la ciudad sobre los logros de esta artista autodidacta. quien trabajó durante décadas como ama de llaves antes de dedicarse a tiempo completo al arte. Se especializó en dibujos con crayones, hechos poderosos por un singular sentido del color y el patrón, que tienen el impacto de las pinturas. Mezclan realidad y fantasía, como con un trabajo lleno de líneas arqueadas y en picada que un cerdo marrón sin problemas usa como lugar para almorzar. "Sin título (Pig on Expressway)" recuerda la granja de su infancia y evoca la renovación urbana que destrozaría su vecindario negro. (Lea nuestra reseña de "Really Free: The Radical Art of Nellie Mae Rowe".)

La línea entre el arte interno y externo fue disuelta aún más por "Morris Hirshfield Rediscovered" en el American Folk Art Museum (hasta el 29 de enero). Resucita el logro de Hirshfield (1872-1946), sastre y zapatero jubilado, cuya carrera de siete años (durante su breve retiro) incluyó una exposición en el Museo de Arte Moderno en 1943. Hirshfield representó mujeres, coristas, desnudos, el machos ocasionales y animales dignos de un zoológico, así como naturalezas muertas, edificios y paisajes en forma estilizada. Parecidos a muñecos recortables empoderados, todos sus modelos se volvieron rígidos, planos y contundentes, con pintura gruesa pero meticulosa, punteados (generalmente para la vegetación) y patrones pulsantes. En una época en la que prolifera la pintura figurativa, la síntesis de forma y narrativa de Hirshfield inspira. (Lea nuestra reseña de "Morris Hirshfield redescubierto".)

La fascinante y desgarradora película "Toda la belleza y el derramamiento de sangre" representa una colaboración equilibrada entre la realizadora de documentales Laura Poitras y la artista autobiográfica Nan Goldin. Poitras nos coloca literalmente en medio de las protestas, generalmente en museos, iniciadas por Goldin y su organización PAIN (Prescription Addiction Intervention Now), que expuso al público el papel de algunos miembros de la familia Sackler, culturalmente prominente, en la crisis de los opiáceos. Goldin, con preguntas de Poitras, narra su vida llena de acontecimientos, a menudo trágica, extrayendo sus célebres presentaciones de diapositivas y dando a su historia una coherencia aún más desgarradora, al tiempo que hace algunas revelaciones nuevas. Parte del poder emocional de las presentaciones de diapositivas siempre ha residido en el oído impecable de Goldin para el acompañamiento musical. Aquí varía de Purcell a Lucinda Williams y es tan acertado como siempre. (Lea nuestra reseña de "Toda la belleza y el derramamiento de sangre").

Holland Cotter es el crítico de arte cojefe de The Times. Escribe sobre una amplia gama de arte, antiguo y nuevo, y ha realizado extensos viajes a África y China. Fue galardonado con el Premio Pulitzer de crítica en 2009.

Roberta Smith, codirectora de la crítica de arte, revisa regularmente exposiciones en museos, ferias de arte y exposiciones en galerías de Nueva York, América del Norte y el extranjero. Sus áreas especiales de interés incluyen la cerámica textil, el arte popular y marginal, el diseño y el videoarte. @robertasmithnyt

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